ARTISTES ART MODERNE ET CONTEMPORAIN

Soly Cissé, (1969 Dakar) vit et travaille entre la France et le Sénégal.
Designer, peintre et sculpteur, Soly Cissé exploite une grande diversité de media : peinture, sculpture, installations et se réfère à de multiples sources : art brut, graffiti, pop art, expressionnisme, art populaire auxquelles il mêle des évocations de ses sources ancestrales. Son travail expérimental de collages assemble des éléments ready-made, sur papier ou sur toile qui assument un double sens pour dire le monde présent. Ses sculptures : totems ou êtres hybrides glissent d’une forme à l’autre avant qu’elles ne se transforment en monstres et intègrent des matériaux occidentaux. Ses thématiques sociales sont liées à l’identité, l’exil, le fanatisme et l’obscurantisme religieux, les rapports de domination, les trafics et asservissements de toutes sortes dans un monde en mutation rapide. À la jonction de culturelles plurielles, face à la réalité des flux migratoires : départs, errances, confrontations identitaires…sont traduits à l’aide de pratiques artistiques décloisonnées où peinture tridimensionnelle, matériaux naturels, sculpture peinte s’interpénètrent, créant des œuvres d’un genre nouveau. L’œuvre est sous-tendue par une quête mémorielle et un regard sur la société et l’histoire. Une histoire, éprouvée de l’intérieur, liée à des lieux de mémoire hantés par des siècles de trafics esclavagistes. Des installations comme Champ de coton, se rattachent au rôle de la mémoire de l’esclavage et à sa persistance contemporaine. Une conviction écologique de longue date, ancrée dans son histoire  familiale, relève avec justesse les grandes questions contemporaines liées au changement climatique, à la menace de désastres écologiques et à la pollution des océans au travers de compositions distanciées ou des installations d’une grande maîtrise technique. L’artiste s’est fait connaître à l’international, avec de nombreuses expositions – entre autres, la mythique exposition Africa Remix (2004-2007), la Biennale de La Havane (2000), la Biennale de Sao Paulo, Brésil (1998) ainsi que des prix et distinctions : Grand Prix de la Biennale Dakar en 2006 ou Prix spécial du Jury aux Jeux de La Francophonie, Otttawa, Canada.

Véra Pagava – 1907 Tiflis (Tblissi, Géorgie) – Paris 1988
A son arrivée à Paris, en 1923,  Véra Pagava fré­quente entre 1924 et 1930, les Arts Décoratifs, l’Ecole Art et Publi­cité, ainsi que l’académie André Lhôte. Elle s’inscrit en 1932 à l’académie Ranson où Roger Bissière dirige l’atelier de peinture. Dès 1944 elle expose aux côtés de Dora Maar chez Jeanne Bucher, (51, 54 et 60). Picasso, Braque et Paul Eluard sont présents au vernissage. Elle y retrouve en 1947 Etienne-Martin, Sthaly, Viera da Silva, Arpad Szenes, Nicolas de Staël. Elle expose à la Biennale de Venise en 1966. En 1960 elle s’engage dans une nouvelle direction de façon spectaculaire pour un monde de formes abstraites, créée par la couleur et la lumière : triangles, cercles, parallélépipèdes, masses éthérées semblent en apesanteur. Elle expose avec succès à l’international..
Les oeuvres de Vera Pagava dans notre galerie d’art moderne « Galerie Chauvy

Oeuvres sélection

Wole Lagunju est né en 1966 au Nigéria – Il vit et travaille aux USA
Wole Lagunju traverse les voies créatives de la mode, du design et des arts visuels, au-delà du Nigéria.
Wole Lagunju’s work draws on his childhood experiences in Oshogbo and professional life in urban Lagos, Lagunju’s work is associated with Onaism, a contemporary art movement of the Ife Art School dedicated to reimagining the forms and philosophies of traditional Yoruba art and design. His paintings and installations featuring the Yoruba adire fabric interrogate and explore themes regarding the changing nature of the traditional African market, a change that is primarily initiated by contemporary globalization while his recent series which draw upon images of Gelede masks and the Victorian era critique the racial and social hierarchies of the 19th century.
Suzette Bell-Roberts, Art Africa, December, 4,2020

Tonia Nneji est née dans l’État d’Imo, au Nigéria. Elle vit et travaille à Lagos.
Tonia Nneji est issue d’une longue lignée de sculpteurs traditionnels et de porteurs de mascarades. Elle est titulaire d’un BA (Hons) en arts visuels de l’Université de Lagos, au Nigéria en 2016. Fortement lié à son histoire personnelle, son travail explore la relation entre le traumatisme et le corps féminin dans un contexte d’effondrement du système de santé au Nigeria, – conduisant certaines femmes à recourir aux herboristes ou à l’église. L’artiste dénonce, d’autre part, la culture de répression et de silence concernant le harcèlement sexuel. Les tissus à thème africain, en particulier ceux des femmes Igbo, sont traduits dans des couleurs pures à l’acrylique, au pastel et à l’huile. Cette préoccupation pour les formes corporelles et le matériau textile illustre les significations culturelles et sociales du tissu dans les sociétés africaines contemporaines tout en explorant les qualités protectrices des vêtements.

Souleymane KONATÉ (1983 Bouaké) Vit et travaille à Abidjan
Créatures hybrides, animaux : chien, cheval, oiseau…, composent, alors, le répertoire formel de Souleymane Konaté. Ce nouveau langage est porté par l’énergie d’un style pictural spontané, propre aux graffiteurs, Reflétant son aspiration à une réconciliation de l’homme et de la Nature, ses personnages sont à la fois hommes, animaux et plantes et créent une étourdissante mythologie. Tel le procédé initié par Picasso dès 1913, dans des intentions décoratives, de petits points colorés ou taches plus larges, parsèment les corps des personnages qui se découpent sur des plages de couleur pure. L’artiste convoque un courant expressionniste, les couleurs joyeuses de l’art naïf ainsi que sa connaissance des cultures extra-occidentales avec une concepion décorative qui se déploie sur ses toiles de grand format.

Ibrahim Ballo  (Bamako, Mali 1986) Vit et travaille à Bamako.
La pratique d’Ibrahim Ballo s’inspire du tissu traditionnel malien : le bogolan . L’artiste transfère sur la toile deux savoirs culturels qui se côtoyaient au fil des siècles, sans s’interpénétrer : le textile, matériau à valeur artisanale connu depuis le début du 2^ème millénaire siècle avant notre ère, avec celui de la peinture. Le textile est pris, dans son travail, au sens large, en tant que premier fil et premier nœud.
Diplômé de l’Institut National des Arts de Bamako en 2012 et d’une maîtrise en Arts Visuels au Conservatoire des Arts Plastiques et Multimédia Balla Fasseke Kouyaté. En 2017, Ibrahim Ballo est lauréat du prix de l’atelier Sahm en arts visuels RIAC 6e édition. L’artiste est membres de Tim’arts, un collectif de jeunes artistes basés au Mali. Lauréat de l’Institut français et de la Cité des Arts 4ème trimestre 2020.

Alhassane Konté dit Lass né en 1993 à Kodié, Mali. Vit et travaille àBamako  Mali 
Alhassane construit ses peintures à travers des couches d’acrylique répétées pour créer des compositions matiéristes, incorporant de la cendre ou de la poudre de bois sur la toile, le papier ou le contreplaqué. Coloriste magistral, sa palette chromatique comprend des gammes de bleus, de jaunes vibrants avec des touches de vert, des gris et des roses. En 2017, l’artiste obtient un BTS en sculpture à l’Institut National des arts. Il se forme ensuite au Conservatoire des Arts et métiers Multimédia de Balla Fasséké Kouyaté de Bamako au Mali et a été deux fois lauréat du concours de la coopération Mali/Union Européenne. LASS est membre du Collectif Tim’Arts, avec lequel il expose régulièrement à Bamako, Segou, participant à des expositions collectives au Musée National du Mali et à l’Institut Français organisées notamment par le Centre  Soleil d’Afriqu

Dramane Bamana est né en 1996 à Bougouni –  Sikasso, Mali. Il vit et travaille à Bamako.
Diplômé d’une licence 3 en Arts Plastiques, au Conservatoire des Arts et Métiers Multimédia de Balla Fasseké Kouyaté de Bamako; il entre dans la vie active en devenant membre du collectif Tim’Art en 2017 et participe aux évènements culturels du collectif….. En 2019, il expose à Segou Art, festival sur le Niger et à l’exposition collective au Blabla de Bamako. En 2020, ses oeuvres sont présentées à l’événement JAA pour la paix et l’environnement à l’Hôtel Tiama, (Côte d’Ivoire) ainsi qu’à l’édition Segou Art 2020 avec le Centre Soleil d’Afrique

Artiste visuel, sculpteur et designer, FRIGG TOSS est né en 1997 à Cotonou où il vit et travaille.
L’artiste utilise des techniques numériques avec peinture traditionnelle pour créer des œuvres d’art totalement contemporaines. Les dessins, transférés sur toile donnent des peintures très lumineuses et évoquent à la fois la lumière d’un écran d’ordinateur et la coloration intense de la peinture. Après une année d’initiation aux arts plastiques à l’INMAAC (ex département des Arts) de l’Université Nationale du Bénin et trois ans de recherche en sculpture, en photographie, en art numérique et en design, il se libère de la rigueur et de la discipline. Passionné des nouvelles technologies, il utilise des outils numériques et lance en 2019 : ‘‘PROJETCTION’’, un concept servant de base à la création d’œuvres aux univers graphiques singuliers. Voir les oeuvres

Toutes les expositions de Marcel Barbeau

Jean-Marc Brunet est né 1970 – Il vit et travaille à Chassemy
L’artiste expose depuis 1990 dans de nom­breux musées, en France et à l’étranger. Les toiles de ses débuts, inspirées par la musique le feront côtoyer Claude Nougaro, Aldo Romano, Charles Aznavour….Suivent des années de compagnonnage avec les peintres Oswaldo Vigas qu’il accompagne au Vénézuéla, Albert Bitran, Jean Rustin, avant le choc de l’Afrique, avec des séjours multiples au Sénégal en compagnie de l’artiste Ousseynou Sarr, les premières expositions à l’étranger,  la réalisation de monotypes, illustrations et livres-objets rendent  hommage au monde de la poésie.

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Robi Walters né à Londres, 1973) Vit et travaille à Londres
L’artiste récupère des objets de rebuts : emballage d’articles ménagers, disques vinyles cassés …. autant de clins d’œil au pop art, à l’arte povera et à la culture break dance de la scène hip-hop new-yorkaise. Organisés en lotus, ses collages ne sont pas sans lien avec l’intérêt de l’artiste pour la méditation, un acte qu’il pratique chaque matin. A l’opposé de la conscience critique des artistes Pop ou du regard totalement complice de Jeff Koons pour cette omniprésence de l’objet dans l’espace public, elle témoigne d’une nouvelle fonction créatrice.

Anju Chaudhura est ée en 1944 à Calcutta. Elle vit et travaille à Paris
Formée parmil les foyers les plus vivants de l’art des années 50/60 : la Faculté des Arts de Baroda, le Londres des sixties où elle étudie à la St-Martin’s School. A Paris, elle s’inscrit à l’Atelier 17 de Stanley Hayter et suivra les cours de Jean Bertholle à l’École des Beaux-Arts de Paris. L’École des Beaux-Arts de Baroda d’où elle sort diplômée est la première École d’art de l’Inde. Rattachée à l’Université fondée en 1950, elle représente l’avant-garde post colonialiste ouvrant sur de multiples sources : des techniques asiatiques et indiennes aux idées post-Bauhaus en passant par la culture britannique.